Pero, como en los cuentos de hadas, érase una vez en la que un productor llamado Thomas Langmann financió un proyecto con apariencia suicida, una película muda y en blanco y negro.
Ocurrió al final de la primera década del tercer milenio, cuando ninguna televisión exhibía cine en blanco y negro en la certidumbre de que no las vería ni Dios, cuando casi todos los niños ignoraban que habían existido dos maravillosos hacedores de risa e incluso de lágrimas (lo segundo solo en el caso de Chaplin, la poética de Keaton no se permitía el sentimentalismo), cuando los agoreros o el realismo aseguraban que iban a desaparecer cosas, rituales y costumbres que habían donado entretenimiento, alegría, emoción, consuelo y felicidad a la gente de cualquier parte. Se titulaba The artist y la parió Michel Hazanavicius, un soñador dotado de fe inquebrantable en su criatura.
Y cuentan las crónicas que esa película presuntamente descabellada enamoró a un público numeroso, le concedieron oscars y multitud de premios e incluso esos seres tan raros cuyo exótico trabajo consistía en hacer críticas de cine le concedieron su solemne bendición.
Y si todas esas apetecibles y lógicas cosas no hubieran ocurrido con The artist, daría igual.
Nadie podría despojarla de su condición natural de joyita, o de joya a secas.
La historia que narra esta admirable película se ha contado muchas veces (no solo los cinéfilos recuerdan lo que ocurría entre James Mason y Judy Garland en Ha nacido una estrella, también está el recuerdo agradecido del gran público), pero el talento de Hazanavicius logra que suene a algo nuevo, o que no te importe que te la vuelvan a contar.
Sigue las reglas clásicas que marcaron una época en la que el cine no había perdido la inocencia, incluida la milagrosa salvación en el último momento.
Algunos listorros deducirán que se sabían esta película de principio a fin y que dado el infinito valor del tiempo no tiene sentido desperdiciarlo. Allá ellos.
Sin el menor rasgo de impostura, sin juguetear frívolamente con la nostalgia, sin estomagantes moderneces, Hazanavicius construye una tragedia que comenzó con risas.
Habla de un rey del cine mudo, vitalista, generoso, elegante, seductor sin esfuerzo, con la seguridad tranquila del que ha vivido largamente los días de vino y rosas, que no ha previsto el ocaso, lo inadecuado de su personalidad para seguir triunfando cuando el cine empieza a hablar, cuando lo que antes era esplendoroso ahora resulta anacrónico o ridículo.
Este hombre acorralado, que como aquel personaje de Fitzgerald ya puede hablar con la autoridad que le otorga el fracaso, que cree haberlo perdido todo, que intenta mantener la dignidad en medio de alcohol amargo y la ruina, aún dispondrá de la última oportunidad, otorgada por una triunfadora enamorada, por alguien con memoria y corazón que se ha adaptado brillantemente a los códigos del nuevo mundo.
Todo fluye con inteligencia, gracia y sentimiento en The artist.
Incluida una secuencia tremenda e inolvidable en la que el protagonista empieza a ser consciente de los sonidos de la realidad y de cómo afectarán al cine.
Dispone del espléndido actor Jean Dujardin y de la seductora y radiante actriz Bérénice Bejo, acompañados de secundarios magistrales como John Goodman y James Cromwell.
In the last few years, there have been a lot of post-modern, take-offs, or homages to forgotten films forms (mostly to the seventies Grindhouse genre, which has been in vogue for the last five years or so).
But while those films are tongue in cheek, and constantly wink at audiences reminding us “this is all a joke”, The Artist completely works as a film of its own, and a profound work of art.
It’s no wonder the Weinsteins are marketing this as their big Oscar contender, and it’s easily good enough to qualify for many of the top awards. But here’s the rub: it’s silent.
Yes, ladies and gents, The Artist is not only about silent films, it is a silent film.
Now, this may turn off a bunch of you, but give it a chance. There’s really something about top-tier silent that cast a spell over audiences (especially if seen in a darkened theater), and The Artist is truly captivating.
The plot is deeply reminiscent of A star is born, although Valentin’s story parallel’s many of the top silent actors, particularly John Gilbert, who has the biggest matinee idol of his time, but, thanks to his light-weight voice, and total misunderstanding of the nuances of acting in sound, crashed and burned once sound films became the norm.
I’m sure my plot description makes this sound like a tragedy, and while it certainly has massive helpings of pathos, it’s actually very funny, and has a surprisingly light touch throughout- particularly when the dog, Uggy is involved (the audience I saw this with cooed with delight every time the dog was onscreen, and being a dog lover myself, I joined them).
Dujardin is mostly known as a comic actor in France, and his performance is remarkably faithful to the Buster Keaton style of silent comedy, with heavy doses of Douglas Fairbanks-style daring-do, and John Gilbert-style pathos.
While he only utters a single line of dialogue (at the very end), Dujardin has to be considered one of the big Oscar contenders, and if he doesn’t at least get a nomination, I’ll be astonished.
The rest of the cast is similarly good, with Bérénice Bejo (who, in addition to being the love interest in the first OSS 117 film, is also married to Hazanavicus), making a charming, flapper-style heroine, who’s very reminiscent, in boisterousness, of golden age starlets like Carole Lombard.
The rest of the cast filled out by American, name actors, including John Goodman (with his expressive face tailor-made for silent) playing the exasperated studio boss, and James Cromwell playing Valentin’s dutiful butler. Penelope Ann Miller, of Carlito's way & The shadow, has a role as Valentin’s vain wife, and amazingly, she doesn’t seem to have aged a day in the twenty years (!) since many of her big films.
As was common in Golden Age Hollywood, The Artist is shot in 1:33:1, gorgeous black & white, and has a sweeping symphonic score by Ludovic Bourse, which is all but guaranteed an Oscar nomination if its own, although they cheat a bit by using Bernard Hermann’s theme from Vertigo to score the climactic scenes.
Suffice to say, I adored The Artist, and it cast a ninety minute spell over me, that’s something that’s increasingly tough to pull off, as I grow every day into a more jaded filmgoer.
Manuel
#863
Pari difficile que de faire revivre en fiction un événement aussi sombre et complexe de l'histoire récente de la France, soubresaut des pratiques de guerre coloniale qui rappelle les exactions des bérets verts en Algérie.
Prendre unilatéralement le parti des indépendantistes aurait été manichéen, ne pas dénoncer le cynisme des politiques – faisant de l'affaire d'Ouvéa un objet de manoeuvres électorales – aussi bien que la violence absurde des militaires aurait été contraire à toutes les enquêtes sérieuses menées depuis.
L'entreprise était périlleuse et Mathieu Kassovitz la mène à bien avec une maîtrise et une intelligence remarquables, centrant le récit autour du personnage de Philippe Legorjus (qu'il interprète lui-même), commandant en chef du GIGN, en charge des négociations avec les preneurs d'otages.
Un représentant des autorités françaises certes, mais surtout un homme qui a foi dans les valeurs de la République française, et en sa parole.
Et le film, du coup, au-delà de l'affaire d'Ouvéa, devient un vibrant plaidoyer pour l'éthique républicaine face à la raison d'état et ses turpitudes, évoquant en miroir un autre grand film de cette fin d'année, L'Exercice de l'état.
À l'approche du référendum d'autodétermination de la Nouvelle Calédonie prévu en 2014, Mathieu Kassovitz revient magnifiquement sur une page d'histoire trop vite oubliée.
En 1988, « l'ordre et la morale » invoqués par le sinistre ministre Bernard Pons justifiaient le massacre.
It shows how reconstructing the course of an outbreak can provide crucial clues, such as how many people an infected person can give a virus to, how many of them get sick, and how many of them die.
Experts praises the depiction of science in the film, stating "Typically when movies take on science, they tend to sacrifice the science in favor of drama. That wasn't true here."
The usage of concepts like R0 and fomites, as well as the fictional strain's origins, are examples of science well illustrated in the film.
Manuel
#799
